Одной из самых широко охватываемых тем в музыке, безусловно, является тема Родины. Многие композиторы при помощи характерных мелодий и средств музыкальной выразительности изображают в своих произведениях родной край, находясь даже в другой стране. Как правило, такие произведения полны патриотизма и любви к своей стране.
В мире музыки образ родины изображается с разных сторон. Вспомним балет Б. Тищенко "Ярославна". Плач Ярославны в третьем действии не столько означает тоску княгини по своему мужу Игорю, сколько является музыкальным олицетворением отчизны, русской земли, глубоко скорбящей о разбитой дружине князя. Также примером тихой, подавленной скорби является шестая часть под названием "Мёртвое поле" из кантаты С.С. Прокофьева "Александр Невский", которую можно трактовать по-разному. С одной стороны, это женщины, ищущие среди груды тел своих погибших в Ледовом побоище женихов, братьев. С другой стороны, это символический образ, и ария звучит от лица Родины, оплакивающей своих сыновей. А вот музыка оперы М.И. Глинки "Жизнь за царя" ("Иван Сусанин") наполнена величием и героизмом, особенно эпилог, представляющий собой торжество русского народа от победы над поляками. Хор "Славься" звучит всё громче и мощнее, показывая неподдельное ликование людей.
Музыкальные произведения могут создаваться под впечатлением от красоты родного края и желанием поделиться своими ощущениями с людьми. Так, образ Киева с его творческим наследием показан композитором В. Киктой в симфонии "Фрески Софии Киевской" для арфы с оркестром. Симфония была написана под впечатлением от фресок Софийского собора в Киеве и, хоть произведение было написано в 70-х гг XX века, оно точно передаёт дух древности. В. Кикта передал слушателю в своих мелодиях весь трепет, воодушевление и любовь к киевским фрескам, которые он чувствует сам и, несмотря на современное звучание, звуки Симфонии благодаря солирующему инструменту - арфе - переносят слушателей на много веков назад. Также многие композиторы внедряют в свои творения темы из русских народных песен. Например, в финале Симфонии №4 П.И. Чайковского использована тема русской народной хороводной песни "Во поле берёза стояла", а в симфоническом антракте оперы Н.А. Римского-Корсакова, одно из трёх чуд, а именно появление белки, сопровождается темой песни "Во саду ли, в огороде" в исполнении флейты-пикколо.
Тема Родины и родного края в музыке показана со многих сторон. Пожалуй, изображение своей отчизны при помощи музыкальных звуков требует самой трепетной и усиленной работы. Каждый композитор по-своему раскрывает этот образ, но все подобные произведения объединяет одно: глубокая любовь к своей Родине, которая показана композиторами настолько ярко и искренне, что будет чувствоваться на протяжении многих столетий.
Иоганн Себастьян Бах - Музыкальная шутка (Сюита № 2 си-минор для флейты с оркестром)
Каждое истинное музыкальное произведение скрывает за определенным набором звуков глубокий смыл, который касается не только уха, разума слушателя, но и его души. Создавая свои детские произведения, Бах вложил в них смысл, возможно, больший, чем во «взрослые» свои творения.
Сокрытое значение детских произведений Иоганна Себастьяна могли понять и почувствовать только дети и подростки, если они были достаточно способны, чтобы найти в музыке композитора ту затаенную светлую сказку, которую он с любовью вкладывал в композицию.
Самым знаменитым детским произведением Баха является сюита «Шутка» , для флейты и струнных. Это произведение будто воплощает все то, что хотел принести композитор детям. Легкое, нежное, переливчатое звучание флейты, торжественный серебристый звон струнных инструментов, мелодия воздушная, скрывающая за своим звучанием урок красоты и вызывающая к жизни сказочные образы, доступные в полной мере только детскому, незамутненному воображению.
Такой была музыка Иоганна Себастьяна Баха и даже сейчас, через века, она нисколько не потеряла своего значения для тех, кто умеет слушать и слышать.
Люблю волшебной флейты звуки
И слушаю их нежный перелив,
Склонивши голову и руки,
В груди дыхание затаив.
Бах написал около 20 сюит, в которых чередуются различные танцы. А «Шутка» из его оркестровой сюиты по сей день никого не оставляет равнодушным и дарит нам добрую улыбку. Это был очень серьезный композитор, но и он любил шутить, веселиться, радоваться. Радость – это свет, веселье… Это музыкальное произведение написано доступно и понятно, т. к. его писал Бах для детей; оно веселое и поднимает настроение.
Антонио Лучо Вивальди (4 марта 1678, Венеция – 28 июля 1741, Вена) – итальянский композитор, скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века, при жизни получил широкое признание во всей Европе. Мастер ансамблево-оркестрового концерта – кончерто гроссо, автор около 40 опер. Вивальди в основном известен благодаря своим инструментальным концертам, в особенности для скрипки. Его наиболее известной работой является цикл из четырёх скрипичных концертов «Времена года». Антонио Вивальди появился на свет в Венецианской республике, произошло это 4 марта 1678 года. Ребенок родился недоношенным и был очень слаб. Позднее стало ясно, что мальчик болен астмой, его мучили припадки удушья, ходить пешком ребенку было тяжело, а подъем по лестнице приравнивался к пыткам. Но никакие физические недостатки не повлияли на удивительный внутренний мир Вивальди. Его фантазия не знала преград, а жизнь изобиловала красками, только происходило это в мире музыки. Важный этап жизни Антонио начался, когда его отец – цирюльник Джованни Батиста получил приглашение в капеллу собора Сан-Марко. Тогда это был крупнейший оркестр всей Италии. Четыре органа, оркестр и большой хор обеспечивали величественное звучание. Это настолько поражало воображение семилетнего Антонио, что он никогда не пропускал репетиций и жадно вслушивался в музыку выдающихся мастеров. Такое беззаветное самопогружение в искусство не могло остаться незамеченным. Вскоре мальчиком заинтересовался известный скрипач и педагог Джованни Легренци. Помимо музыкальных знаний он привил Антонио желание экспериментировать. Чтобы точнее и ярче выражать свои мысли, Вивальди стал создавать произведения и искать новые формы. Кстати, до наших дней дошли творения композитора, созданные им в 13 лет. Но в этом возрасте юного Антонио ждали серьезные перемены.<span>Поразительно, но творчество талантливого музыканта было несправедливо забыто почти на 200 лет. Только в 1920-х годах итальянский музыковед Джентили наткнулся на записи композитора. В манускриптах было обнаружено девятнадцать опер, более 300 концертов для скрипки и другие сочинения. Официально подтверждено авторство Вивальди только для 40 опер, хотя известно, что за жизнь он написал более 90 крупных произведений.
</span>
Ответ:
Вот и все! Больше ничего не надо тебе!
Объяснение:
Сто лет истории джаза — что мы знаем и что можем услышать. Можно ли зафиксировать джаз? Роль текста и документа в джазовом искусстве.
Начало исторического обзора. Рождение джаза: ранние формы афроамериканской музыки. Блюз хлопковых полей и джаз Нью-Орлеана. Кинг Оливер, Уильям К. Хэнди, Джелли Ролл Мортон. Джаз идёт на север: из Нью-Орлеана в Чикаго и Нью-Йорк. Original Dixieland Jass Band, Луи Армстронг, Флетчер Хендерсон. «Сладкий джаз» и «горячий джаз»: белые и чёрные оркестры 20-х. Пол Уайтман — белый «Король джаза». Бикс Байдербек и другие ранние белые джазмены.
2. Первые титаны джаза
Луи Армстронг: первая суперзвезда джаза (1900-1971) — из тюрьмы для малолетних в Нью-Орлеане к всемирной славе. Дюк Эллингтон: величайший джазовый композитор и бэндлидер первой половины XX века (1899-1974)
3. «От спиричуэл к свингу», часть 1
Афроамериканские составляющие джазового языка: духовные песнопения, трудовые песни и блюз. Голос блюза: великие блюзовые певицы 1920-х — первые суперзвёзды афроамериканской музыки. «Императрица блюза» Бесси Смит (1894-1937). Блюз городской, водевильный, деревенский, техасский, чикагский, далее везде: от самодельных гитар и фольклорной среды бытования к профессиональному электрифицированному блюзу послевоенной эпохи. Ритм-н-блюз, джамп-блюз и другие провозвестники эры рок-н-ролла.
4. «От спиричуэл к свингу», часть 2
Эволюция оркестрового джаза 1920-30-х гг.: от традиционного джаза к свингу. Эра свинга: эпоха, когда джаз больших оркестров (биг-бэндов) был поп-музыкой своего времени — 1933-1946. Крупнейшие бэндлидеры «эры свинга» — Бенни Гудман, Каунт Бэйси и другие. Крупнейшие импровизаторы: Коулман Хокинс, Лестер Янг и другие. Певцы свинга: роль вокала в джазе. Первая плеяда популярных джазовых вокалистов и вокалисток 1930-х: Билли Холидей, Джимми Рашинг. Поющие инструменталисты: Фэтс Уоллер. Джаз или популярная музыка? Фрэнк Синатра и выделение поп-музыки в отдельную категорию массовой культуры. Популярные джазовые шоумены середины XX века. Кэб Кэллоуэй, Лайонел Хэмптон, Луис Прима. Элла Фицджералд — величайшая джазовая вокалистка всех времён.